The perfect primer on acclaimed French artist Sophie Calle.
Sophie Calle is a French writer, photographer, installation artist and conceptual artist. Her work is distinguished by its use of arbitrary sets of constraints, and frequently depicts human vulnerability, and examines identity and intimacy. She is renowned for her detective-like ability to follow strangers and investigate their private lives, which she has deployed in her acclaimed works Suite Venitienne, The Hotel and Address Book. She has had major exhibitions all over the world, including at the 2007 Venice Biennale, the Whitechapel Gallery in London, and the Louisiana Museum of Modern Art in Denmark, and has worked closely with the writer Paul Auster. The Guardian called her 'the Marcel Duchamp of dirty laundry', and she was among the names in Blake Gopnik's list 'The 10 Most Important Artists of Today', with Gopnik arguing, 'It is the unartiness of Calle's work - its refusal to fit any of the standard pigeonholes, or over anyone's sofa - that makes it deserve space in museums.'
Ce livre de petit format réalisé avec la fondation Saul Leiter rassemble une grande sélection d'images issues de ses archives, dont beaucoup d'inédites, ainsi que des planches contact.
This revised edition of Sarah Moon is one of two new books this season in Thames & Hudsons acclaimed Photofile series. Each book brings together the best work of the worlds greatest photographers in an attractive format and at an easily affordable price. Hailed by The Times as finely produced, the books are printed to the highest standards. Each one contains some sixty full-page reproductions, together with a critical introduction and a full bibliography.
Paru en 1971 dans ArtNews, "Pourquoi n'y a-t-il pas eu de grands artistes femmes ? " a fait date dans l'histoire de l'art. Largement reconnue comme la première historienne de l'art féministe, Linda Nochlin démantèle la notion de génie artistique codée par les hommes et dévoile les structures institutionnelles et sociales qui ont tenu les femmes à l'écart des carrières artistiques pendant des siècles.
Elle consacre ensuite une longue étude à la figure de l'artiste Rosa Bonheur et sa place dans la société. Rédigé il y a plus de trente ans mais toujours très actuel, ce texte a été publié pour la première fois en français en 1993 au sein du recueil désormais épuisé Femmes, Art et Pouvoir (éd. Jacqueline Chambon). Il fait ici l'objet d'une nouvelle traduction. En français, le titre de l'ouvrage a toujours été traduit au masculin, puisque le recours à l'idée de grandeur dans l'histoire de l'art a systématiquement été formulé par des hommes, sur des hommes.
De fait, le féminin en a été purement et simplement exclu. Pour cette édition, ce livre est accompagné d'un appendice de Linda Nochlin appelé "Trente ans plus tard", où elle commente l'émergence de nouvelles artistes, notamment Joan Mitchell, Louise Bourgeois et Cindy Sherman.
De 1978 à 1992, Factory Records fut l'un des plus importants labels discographiques de Grande-Bretagne. On lui doit la mise sur orbite de groupes aussi célèbres que Joy Division, New Order ou les Happy Mondays, la création des hauts lieux légendaires de la vie nocturne mancunienne que furent l'Haçienda et le Dry Bar, mais aussi l'entrée d'un graphisme d'avant-garde dans le monde de la musique. Les langages visuels élaborés pour cette scène musicale hors norme par des graphistes ou des agences tels que Peter Saville, Central Station Design ou 8vo ont profondément marqué toute une génération et continuent d'influencer de nombreux graphistes contemporains. Cet ouvrage est le premier à retracer l'intégralité des créations visuelles de Factory. L'avant-propos, rédigé par l'un des fondateurs du label, le célèbre Tony Wilson, est suivi d'une introduction qui retrace l'histoire de Factory et de ses principaux graphistes qui tous contribuèrent à initier un plus vaste public au graphisme de qualité. Organisées chronologiquement, la quasi-totalité des créations portant le célèbre numéro de catalogue Factory - pochettes de disque, éditions spéciales, flyers, affiches, papeterie et même projets architecturaux - sont illustrées et commentées. Tous ceux qui se passionnent pour le graphisme et tous les fans du cultissime Factory Records ne pourront être que séduits par ce livre qui relate l'une des aventures culturelles les plus extraordinaires du XXe siècle et transmet toute l'énergie, la créativité et l'enthousiasme d'une des maisons de disques les plus dynamiques - et chaotiques - de toute l'histoire de la musique.
Fort de l'expérience d'une vie passée à créer sans relâche, David Hockney, en collaboration avec le critique d'art Martin Gayford, nous raconte comment et pourquoi nous produisons des images depuis des siècles. Il rassemble une grande variété d'images, faisant tomber les barrières entre regard savant et culture populaire. Sa grande qualité est de savoir tisser des liens inattendus mais toujours pertinents, de mêler les périodes et les supports pour nous raconter l'histoire des images avec une facilité surprenante et nous aider à réenvisager des peintures qui nous semblaient familières. Cette nouvelle édition enrichie d'un chapitre supplémentaire se présente dans un format réduit et maniable, plus propice à la lecture.
Cet imposant catalogue accompagne la grande exposition « Van Eyck. Une Révolution optique » au Musée des Beaux-Arts de Gand (MSK Gent) au printemps 2020. L'exposition s'articule autour des volets extérieurs restaurés de «L'Adoration de l'Agneau mystique» et d'autres oeuvres de Van Eyck. Outre le retable, seule une vingtaine d'oeuvres du Maître flamand Van Eyck sont conservées de par le monde. Tout à fait exceptionnellement, au moins la moitié d'entre elles feront le voyage jusqu'à Gand en 2020, pour l'exposition.
Réimpression pour cette série emblématique de Charles Fréger : chaque année, dans toute l'Europe, des hommes, le temps d'une mascarade séculaire, entrent littéralement dans la peau du «sauvage». Le photographe saisit ces hommes sauvages devenus ours, chèvre, cerf ou sanglier, homme de paille, diable ou monstre aux mâchoires d'acier. Il sublime ainsi cette suspension provisoire de la normalité et révèle une tradition méconnue d'une étonnante richesse.
Entre sa philosophie, son lyrisme et sa maîtrise des couleurs et des compositions, Saul Leiter fascine. Enfin republié en anglais, All About Saul Leiter contient plus de 200 oeuvres inédites ou célèbres du photographe américain , ses photographies, ses peintures, sa correspondance et quelques objets personnels. Ce livre couvre ainsi la carrière commencée dans les années 1940 de l'un des plus grands noms de l'histoire de ce médium.
Cet ouvrage illustré de plus de 200 peintures, dessins et gravures magnifiquement reproduits célèbre le lien étroit que tisse Proust dans La Recherche du temps perdu entre beaux-arts et littérature. Toutes les ouvres du roman, qu'elles soient nommément citées ou simplement évoquées par Proust, sont ici reproduites avec, en vis-à-vis, le passage de La Recherche dans lequel elles sont mentionnées. Anges de Botticelli, courtisanes de Manet, guerriers de Mantegna et saints de Carpaccio se mêlent ainsi aux nymphéas de Monet et aux gravures de Rome par Piranèse.
Réimpression de cet ouvrage en français qui propose plus de 300 oeuvres sélectionnées par Hockney lui-même, accompagnées de nombreuses citations de l'artiste. Divisé en quatre chapitres, il analyse l'oeuvre singulière de Hockney en questionnant la représentation du monde, puis la nature autobiographique de son travail et l'importance particulière des portraits de membres de sa famille, d'amis ou d'intimes et, enfin, la quête de l'espace et de la lumière, deux préoccupations qui revêtent une importance majeure pour Hockney.
A major career survey of Yayoi Kusama, one of the most widely admired and popular artists of our time, published in collaboration with M+, Hong Kong, to accompany M+'s first Special Exhibition, Yayoi Kusama: 1945 to Now, from 12 November 2022 to 14 May 2023.
Yayoi Kusama is that rare thing: an artist who has achieved truly global acclaim. In a wide-ranging career spanning seven decades and multiple media, she has established profound connections with audiences around the world. Emerging at the forefront of artistic experimentation in Asia in the mid-20th century, Kusama soon became a central figure in the New York art scene of the 1960s. Today, Kusama continues to communicate her highly personal and spiritual world view through her art.
Yayoi Kusama: 1945 to Now is the most comprehensive survey of her work to date. Structured around six thematic sections, 'Infinity', 'Accumulation', 'The Biocosmic', 'Radical Connectivity', 'Death' and 'Force of Life', the volume elucidates the aesthetic and philosophical concerns at the heart of the artist's oeuvre.
In addition to a selection of Kusama's writings, some of which have never been published before, the book features correspondence with Georgia O'Keeffe, an interview with critic and curator Yoshie Yoshida, and a roundtable discussion among leading authorities in the field. Also included are curatorial essays exploring different aspects of Kusama's practice, and a detailed visual chronology of her life. Appealing not only to those already familiar with Kusama and her work, but also to anyone discovering it for the first time, this monograph reveals an artist who, while shaped by international artistic currents, remains deeply connected to the traditions and culture of her native Japan.
Réédition en format compact pour ce catalogue d'une exposition présentée à la Photographer?s Gallery en 2017 puis au C/O à Berlin en 2018. Des années 1960 aux années 1980, Wim Wenders s?est servi des Polaroïds pour graver le quotidien, illustrant en couleur le mode de vie de ces années-là. Avec humour, mélancolie ou poésie, les clichés sont le souvenir de shootings photo, des voyages, du charme de la vie en province ou encore de ses amis célèbres. Les 403 photographies arrangées en 36 histoires illustrent les inspirations, l?esthétique et parfois le processus créatif derrière les films de ce réalisateur nommé aux Oscars.
La Fondation Louis Vuitton expose les chefs d'oeuvres du MoMA à l'automne 2017. Deux cents oeuvres retracent l'histoire du MoMA et la formation de la collection, de sa première décennie (House by the Railroad d'Edward Hopper acquis en 1930), en passant par l'après-guerre (Pollock et De Kooning) puis au pop art et au minimalisme jusqu'aux oeuvres contemporaines acquises très récemment comme Untitled (Club Scene) de Kerry James Marshall ou un jeu de carte de Shigetaka Kurita. Certaines n'ont encore jamais été exposées en France. Également disponible en anglais (9780500239797).
